Met Madness

Hoy, el primer lunes de mayo del 2024, el planeta moda y algunos otros universos colinden para mostrarnos que todos amamos la moda y sobretodo que Anna Wintour, independientemente de lo soporífera  que ha sido su gestión del Vogue estadounidense, sigue siendo la mujer más poderosa de la Industria. 

Y aunque los últimos años la popularidad del Met Gala ha crecido de manera descomunal, muchos desconocen que este evento orquestado por el Metropolitan Museum of Art Costume Institute que se lleva a cabo el primer lunes de mayo, no se pierdan el documental del 2016 que documenta todo lo que sucede en la preparación de la exhibición China: Through the Looking Glass con Rihanna, en Guo Pei, convirtiéndose en la referencia absoluta de como un look de la Met gala puede cimentar tu ingreso al Olimpo de la moda.  Ademas de permitir a las celebs mostrar  sus credenciales de moda el Met Gala funciona para recaudar fondos para el ala de moda del museo, el único departamento curatorial del Met que tiene que pagarse solo. 

“La fiesta del año” para el Who is Who del sistema de moda, y catalizador de la popularidad de las firmas y celebridades, también fue nombrado como el ATM del MET, es decir su cajero automático que le suministra cantidades importantes de dinero, la gala del año pasado recaudo 22 millones de dólares.  La lista de invitados es un secreto muy bien guardado, aunque las firmas de moda y el equipo de Wintour inician a trabajar en los preparativos del siguiente año de manera inmediata a la culminación del evento. Contrario a otros eventos importantes en el calendario social neoyorquino, solo puedes acudir a la Met Gala por invitación y no es un asunto de precio, que este año los boletos oscilan en los $75,000 dólares, $25,000 más que el año pasado, con mesas que inician en $350,000 dólares que son pagados por las marcas, ellos cubren los costes de los invitados a su mesa. 

Esto quiere decir que aunque alguien done cantidades obscenas de dinero al Museo Metropolitano, eso no lo califica para ser invitado, incluso si una marca o compañía compra una mesa, la total elección de quienes podrán sentarse es de la Sra. Wintour y su equipo quienes eligen a los 400 invitados, por lo que el evento puede considerarse como el “catálogo” del presente y el futuro de la moda, los requisitos para la inclusión tienen que ver más con popularidad, logros y belleza,  la divinidad trinidad de acuerdo a Wintour, que con dinero. 

Y el dinero justamente parece ser lo que podría arruinar la velada para Anna Wintour, quien siempre es la primera en salir del Mark Hotel, la sede no oficial del evento, ya que el sindicato de trabajadores de Condé Nast, quienes están en huelga desde hace varios meses exigiendo un pago justo, amenazo a la compañía con que si no se veían en las mesas de negociación se verían en la alfombra del Met, esta polémica se suma a lo reportado por The Cut sobre la oposición de la mesa directiva del museo a que John Galliano fuera el homenajeado en la gala del 2024, según el medio estadounidense Anna Wintour y Andrew Bolton tenían prevista la retrospectiva del diseñador británico como tema de la Met Gala y tuvieron que cambiarlo de último momento a Sleeping Beauties: Reawakening Fashion y utilizar únicamente prendas de la colección del Costume Institute.

Personalmente disfruto la exhibición más que la alfombra roja, el trabajo de Andrew Bolton, curador del Costume Insitute, me resulta extremadamente inspirador, ya que siempre he considerado que la verdadera trascendencia de la moda tiene que ver con la parte creativa/intelectual que con la parte efímera de las tendencias o celebridades. No se pierdan la transmisión en directo en el sitio de instagram de Vogue. La exhibición correrá del 10 de mayo al 02 de septiembre.

Fashion Memo: Magazine Madness

La industria de la moda genera anualmente más de un billón de dólares estadounidenses a nivel mundial y es en definitiva, uno de los pocos clústeres en los que la originalidad y creatividad es altamente celebrada, si no que obligatoria para el éxito de un proyecto de marca. La moda es dinámica y estar al tanto de los universos estéticos emergentes es esencial. En cuestión de moda quién no sorprende, aburre. Mantenerse informado y recibir los estímulos correctos es esencial, por esto, te comparto las visiones esenciales de esta semana para llevar tu radar de moda al destino correcto. 

Juego de gemelas: Edición Zendaya 

Parece que Zendaya gracias a los recortes presupuestarios que esta viviendo Conde Nast ha tenido que mostrar su capacidad de duplicarse compartiendo portada de las ediciones de mayo del Vogue británico y el Estadounidense. Ya estábamos acostumbrados a ver los mismos editoriales de moda diseminados en las múltiples ediciones de la revista, una gran tristeza para los coleccionistas que han dejado de comprar y atesorar la revista debido a su poca innovación. Para la edición de mayo 2024 Zendaya recurrió a los archivos de distintas marcas para ponerle rostro a las portadas de ambas revistas, al mas puro estilo Annie y Hallie, vimos la versión estadounidense con una Zendeya más clásica fotografiada por Annie Leibovitz y una versión mas  sporty para el lente de Carlijn Jacobs. La aparición de Zendeya en esta dupla de portadas es el preámbulo para su rol como co- anfitriona de la MET Gala junto a Bad Bunny, Chris Hemsworth, Jennifer Lopez, y por supuesto Anna Wintour.

¿Despertará la bella durmiente?

Sleeping Beauties: Reawakening Fashion es el titulo de la exhibición del Costume Institute que se inaugura el próximo primer lunes de mayo. El nombre de la exhibición más famosa del planeta moda, se deriva de la idea de despertar las “bellezas dormidas” refiriéndose a las prendas que forman parte de la colección del Costume Insitute que se encuentran “acostadas” en cajas archivadas. Por primera vez las prendas exhibidas forman parte en su totalidad de la colección del MET, es muy común que se pidan préstamos a otros museos o coleccionistas privados para poder nutrir la temática de una exhibición. Andrew Bolton, el curador y encargado del Anna Wintour Costume Center en el Museo Metropolitano del arte, uno de mis personajes favoritos de la industria y pareja del diseñador Thom Browne, declaró que serán más de 250 prendas de alrededor de 4 siglos y la exhibición contará con inteligencia artificial, recreaciones 3D del trabajo de los diseñadores, sonido y olor. No se pierdan la transmisión en directo en el insta de Vogue el lunes 6 de mayo a las 5.30 pm.  

En el universo masculino, el tamaño si importa

Sobretodo cuando se trata de revistas, es realmente insultante el tamaño tan diminuto de las revistas de moda en los últimos años, sobretodo en las de contenido dedicado a la moda masculina, por eso es altamente gratificante disfrutar del tamaño XL de la revista Man About Town, desde que la descubrí hace algunos años es sin lugar a dudas, desde mi punto de vista pro supuesto, la mejor revista de moda masculina ya que no solo te muestra marcas y personajes de moda, sino que te permite vislumbrar un universo estético en el que los hombres se arriesgan y disfrutan con la ropa, con el genial Luke Jefferson Day como director de moda. Esta revista británica fundada en 2007, se publica de manera semestral y tiene como target a los alpha males de entre 30 y 45 años, lamentablemente no se puede conseguir en nuestro país, pero la puedes comprar vía Iconic Maginez en NYC y te llega perfectamente a tu casa. Estas son algunas portadas de la edición SS2024

P.S Aunque los sombreros dejaron de ser relevantes en la industria cotidiana de hombres y mujeres desde la década de los sesenta, siempre es altamente gratificante ver la genialidad del trabajo del “milliner” Stephen Jones, quien ha credo los sombreros más icónicos para Dior en la era Galliano, Thierry Mugler, Jean Paul Gaultier y por supuesto como olvidar los creaciones usadas por Isabella Blow 

“You can tell Jesus that the b$tch is back” John Galliano

Con la divulgación del documental “High & Low: John Galliano” el nombre del diseñador británico John Galliano vuelve a los titulares de moda. Mientras muchos siguen asociando su nombre con el momento más bajo en su carrera y vida personal, cuando en el 2011, mientras estaba en un bar del barrio parisino de Le Marais tuvo una pelea con otros clientes a los que terminó profiriendo insultos antisemitas. El caso saltó a la prensa y Galliano fue cesado de su cargo en Dior. 13 años después con la colección couture SS24 de Maison Margiela el nombre de Galliano vuelve a estar vinculado con la genialidad. 

La colección “Artisanal” nos muestra lo que Galliano mejor sabe hacer: mostrarnos la esencia misma de lo que significa estilo en cuestión de  diseño y moda, recurriendo a siluetas y personajes del “underworld” del fashion System y a los outsiders, aquellos que siempre se han decantado por impulsar una visión estética personal y única, alejada de la maquinaria de tendencias, provocándolas. Galliano  pinta un cuadro de las prácticas y los acontecimientos que dan forma al carácter reflejado en nuestra ropa. Bajo el Puente Alejandro III, a la luz de la primera luna llena del año, un paseo por los bajos fondos del París más auténtico, más real.

El documental y las colección couture de MM finiquitaron los temas pendientes de Galliano con la sociedad, aunque muchos siguen estigmatizando al diseñador. Anna Wintour, quien siempre ha sido mecenas de Galliano desde su debut y apuntala el desfile del diseñador para fall 1994 como su show favorito en la historia, ha estado detrás tanto de su contratación en Dior como en sus esporádicas apariciones en la época oscura, hoy para la edición de mayo del 2024 presenta un perfil escrito por Hamish Bowles, acompañado de imágenes del genial Steven Meisel, que nos confirma que Galliano esta oficialmente de regreso: “You can tell Jesus that the b$tch is back” 

Hombres con corsés lo más ajustados posible y pantalones hábilmente cosidos con hilván; mujeres con faldas que le debían algo a Vionnet, pechos orgullosos, muslos abultados y cinturas contraídas como el infierno. Este fue un momento. Margiela, bajo la exquisita mano de John, se veía a la perfección en todas partes: cada pieza de bordado; cada curva de raso en un corsé; un abrigo de ébano con un brillo de los años 50 en el abdomen ceñido y más puntadas de hilvanado que definen el cierre; otro traje con encaje negro sobre una base blanca que empujaba y tiraba del cuerpo como una muñeca enorme.

La doble cara de Gucci

Mientras la era de Sabato de Sarno se convierte en canon para Gucci con un descenso en ventas y un sentimiento de antipatía por parte de los fashionistas. Los fanáticos de la firma italiana celebran el regreso de Alessandro Michele al conglomerado Kering como director creativo de Valentino, lo que confirma que las mejores eras de Gucci siempre serán cuando la marca apuesta por visiones disruptivas.

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Basta tomarse un segundo y “scrollear” Instagram para detectar que las marcas de moda están apostando por el “más es más” y no tiene nada que ver con el maximalismo. El incremento en los productos derivados de una colección o temporada puede ser tan extenso que resulta imposible entender par quien están diseñando las “maisons”, anteriormente opuestas a la masificación de la creación de artículos de lujo propuesta por el fast fashion. Parece que el único cometido de los poderosos CEOs es crecer los beneficios monetarios, dejando de lado la visión del director creativo omnipotente a un modelo de liderazgo colectivo más amplio que pone una cuidadosa definición y gestión de la identidad de marca en el centro del proceso.

Esta manera descentralizada de entender el ADN de una marca de moda, lejos de el poder derivado del diseñador en turno, ha funcionado muy bien para firmas como Hermès o Loro Piana, enfocadas a crear productos de calidad atemporales más allá de convertirse en la obsesión estilística de los seguidores y consumidores de tendencias. Pero  si analizamos los mejores momentos de Gucci en la historia siempre han estado ligados a construir un universo estético estrechamente ligado con el imaginario personal del diseñador.

No resulta extraño el que grupo Kering, busque expandir sus márgenes de ganancias y presione a sus creativos, ya sucedió con Ghesquiére en Balenciaga finalizando por esto su relación en diciembre del 2012 tras   7 años, y lo mismo sucedió con Michele en 2022. De acuerdo a la entrevista publicada por Vogue en febrero de 2024: 

“Bajo la visión maximalista y envolvente de Michele, cuyo look al estilo de la Última Cena y sus dedos enjoyados le convirtieron en profeta del complejo industrial de la moda y la celebridad, las ventas se multiplicaron hasta alcanzar casi 10.000 millones de euros al año. Pero Michele, que ensanchó la pasarela para dar cabida a todos los ámbitos de la vida de la moda, no estaba de acuerdo con la estrategia de Kering de hacer crecer esa cifra hasta 15.000 millones cambiando su diseño y ampliando su público más allá de la joven y diversa multitud de fanáticos de la moda para dirigirse a bolsillos más profundos y a un electorado más amplio” Jason Horowitz, Vogue US, Winter Issue.

Tras la publicación de esta entrevista que confirmaba la disolución del proyecto Michele/Gucci debido a que el diseñador no quería simplificar y masificar su visión de moda, llego un periodo totalmente olvidable para la firma italiana, en la que el equipo creativo tomo las riendas del diseño y las boutiques se vieron pobladas de productos estériles sin personalidad, que, como se divulgó recientemente provoco que la marca perdiera casi un 12 por ciento en sus ingresos comparables en el primer semestre. 

La salida de Alessandro Michele que de acuerdo a lo publicado por Vogue obedecía a una estrategia de parte de los directivos de Gucci por elevar sus ventas, provoco un efecto opuesto, entonces la pregunta latente en la mente de todos es: ¿Cuál es la obsesión de los directivos de moda de saturar el mercado de productos estériles que no empoderan una visión creativa? ¿Puede realmente Gucci con Sabato de Sarno lograr una nueva y exitosa era? Y sobretodo parece que la máxima “Quien no conoce la historia esta condenado a repetirla” es muy cierta ya que tanto Tom Ford, con su visión híper sexualizada, como Alessandro Michele, con su caos mágico, han logrado en términos de ventas los mejores años de Gucci. 

Las firmas de lujo y las estafas: Tándem esencial de toda historia de éxito

Julia Garner en “Inventing Anna” de Netflix

“Ella entro a mi vida usando sandalias Gucci y lentes Celine, me mostró un mundo glamoroso…” relato la editora de fotografía de Vanity Fair y una de las víctimas de la ahora infame Anna Delvey a la revista en 2018, en un articulo escrito por ella misma en la revista y que forma parte de los sucesos relatados en el episodio 8 de “Inventing Anna” la ficción de Netflix producida por Shonda Rhimes que nos confirma lo que el “Estafador de Tinder”, documental producido por Felicity Morris en la misma plataforma, ya nos había avisado, las firmas de lujo son esenciales para poder timar a las personas. 

Mientras asimilamos lo “fácil” que resulta para estos personajes timar a básicamente todos los que les rodean enfundados en las últimas tendencias de las firmas de lujo, podemos predecir que las estafas se convertirán en una macro tendencia para los siguientes años, y aunque es un tema de orígenes bíblicos, los seres humanos somos seducidos constantemente con historias que nos hacen vivir vidas lejanas, ya sea imaginándonos más listos que algunas de las víctimas o preguntándonos: ¿Qué pasaría si alguien atractivo y bien vestido me invitara a volar en su jet privado y cenar en los mejores restaurantes? La respuesta a esta seductora duda depende totalmente de la capacidad que tengas para descubrir a un estafador debajo de todas esas “capas” de sofisticación. 

Seamos honestos, para la gran mayoría de nosotros los productos diseñados por las firmas de lujo son un tanto prohibitivos, exceptuando los perfumes y lentes de sol que nos permiten “revestirnos” del allure de las casa de moda, el universo de los complementos y el Prêt-à-porter esta prohibido, ya que los productos superan fácilmente el ingreso mensual de un mexicano. Y con la nueva tendencia,  derivada de la pandemia, de estas marcas de proteger sus márgenes compensando la caída del volumen de sus ventas con un aumento de precios. 

Durante la pandemia, Chanel subió dos veces sus precios, y de nuevo en octubre 2020. Estos aumentos oscilaron entre un 5% y un 17%, y se centraron esencialmente en bolsos, igual que está ocurriendo en la más reciente subida de precios de múltiples marcas del segmento de lujo. Tanto Louis Vuitton, como Tiffany, Dior y Gucci han apostado por mantener sus ganancias a costa del bolsillo de sus consumidores. 

Aunque puede parecer un concepto freudiano, tal vez en la idea de inaccesibilidad radica el allure que convierte a las firmas de alta gama en la fantasía de todos: old money, fashion insiders y wannabes por igual. La democratización que experimento el diseño de modas a principios del siglo, parece ser tendencia pasada. Las rede sociales han impulsado una obsesión perenne por vivir desempaquetando lo último y lo más exclusivo. 

Y aquí es donde radica el éxito de los estafadores, que logran generar una especie de adoración de todos aquellos que anhelan “desempaquetar” el golden ticket de la fabulosa vida. Mientras alcanzar el status de viral se convierte en el objetivo primordial, la esencia del estilo se diluye ante la posesión de artículos que ostenten la etiqueta de sold out y sean el must para lucir como una Kardashian o Hadid, las nuevas artífices del “elitismo digital”.

Set de viaje con monogramas Goyard

Anna Delvey, tuvo éxito por la excelente estrategia de posicionamiento en la que mezclo tácticas “old money” con su capacidad de figurar en los hábitats digitales reconocidos por la troupe de fanáticos del estilo de vida de los ricos y famosos. Mientras todos somos seducidos por la idea de irrumpir en los círculos concéntricos de la fama, a veces los personajes que habitan estos círculos se dejan seducir por el canto de las sirenas y permiten que estos advenedizos los “timen” con sus tácticas, nada es más chic hoy en día que ser nombrado en una serie y pensar en quien interpretará la versión ficcionada de ti. 

Nineties Kid!

¡Gucci, Gucci, Gucci!’ fue lo que respondió Madonna a los periodistas cuando le preguntaron qué firma vestía en los Premios MTV de 1995. Una blusa azul de satín que mostraba su bra negro y unos pantalones a la cadera desataron una fiebre mediática de proporciones épicas. Esta tendencia de pantalones a la cadera o bumsters inició con “Taxi Driver” – colección de Alexander McQueen, presentada en 1993, y se mantuvo afianzada a las caderas de los jóvenes durante el resto de la década.

Con Madonna vestida de Gucci, Tom Ford pasó de ser un diseñador americano desconocido a dominar la década; sus creaciones y estrategias de marketing para la hasta entonces moribunda casa de moda italiana hicieron que Gucci viviera un renacimiento que meses más tarde seria imitado por Dior, Givenchy, Balenciaga y Louis Vuitton.

Junto a Tom Ford llegaron Mario Testino y Carine Roitfeld, quienes al lado del diseñador crearon la identidad visual de la firma y la mujer Gucci. Los códigos de los setenta y la excesiva sexualización —tanto de hombres como mujeres (Ford trataba a ambos géneros con idéntica lascivia)— pusieron a Gucci en las bocas de todos. Justamente fueron las modelos y de Marky Mark (ahora Mark Wahlberg) los que definieron la obsesión social por el culto al cuerpo y los trastornos alimenticios; el look heroinómano chic de las chicas presentó una delgadez extrema como estándar femenino y los abdominales de Wahlberg, en aquel afiche de Calvin, gestaron los ideales estéticos que hasta el día de hoy definen el atractivo masculino. 

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Resulta un tanto desconcertante analizar las tendencias y celebridades que definieron la década de los noventa, que para mi comenzó cuando decore la portada de mi libro de inglés con una imagen de la campaña de Claudia Schiffer para Guess en segundo de secundaria, aquella campaña fue el debut de una jovencísima Claudia con Ellen von Unwerth como fotógrafa. Fue tanta mi obsesión con las modelos, tras Schiffer descubrí a Cindy, Linda, Christy, Naomi y Stephanie, que literalmente me dedique a “robar” de cualquier revista que encontraba las imágenes de publicidad o desfiles en las que aparecieran las supermodelos, la principal afectada fue la colección de revistas Vanidades de mi tía.

Durante buena parte de los noventa las revistas de moda eran casi inexistentes en nuestro país, salvo Vanidades pocas daban cobertura a los desfiles y tendencias internacionales. La revista Eres, que causaba furor con cada nueva portada, se dedicaba a retratar a la comunidad televisiva y dedicaba pocas  paginas a hablar de moda. Esto cambiara drásticamente para mi cuando descubrí la edición de Bazaar en español, edición en la que de manera indirecta conocí el trabajo de Liz Tilberis, ya que la edición mexicana traducía de la edición estadounidense muchos de sus contenidos, pero también lei por primera vez sobre Julia y Renata, Néstor Osuna, Macario Jiménez y justamente en Bazaar encontré la recomendación de la escuela de moda que unos años mas tarde se convertiría en mi alma mater.

Claudia Schiffer para Guess por Ellen von Unwerth

Mientras socialmente nos rehabilitábamos de la resaca que fueron los ochenta en cuanto a moda, el prisma de lo que significaba vivir con estilo evolucionó de las opulentas oficinas de Wall Street (ese mundo altamente competitivo y hedonista creado por Bret Easton Ellis en American Psycho) a las aulas de las escuelas (ese mundo altamente competitivo y hedonista creado por Aaron Spelling en Beverly Hills 90210). Los pasillos de las escuelas alcanzaron nuevas cotas estéticas, la influencia de las supermodelos: Cindy, Linda, Naomi, Christy, Claudia y compañía se sintió en todos los ámbitos. Ya no solo aparecían en revistas, ahora eran protagonistas de  shows en MTV —canal que llegó a México en 1993— películas e incontables historias de glamour y poder. ¿Quién no recuerda aquella famosa frase pronunciada por Linda Evangelista: ”Ni Christy ni yo nos levantamos de la cama por menos de 10,000 dólares”?

Junto con el glamour y los viajes en Concorde de las modelos, que leía ávidamente en la revista Vanidades, se gestó uno de los movimientos musicales y estéticos más importantes de la década y tendencia que actualmente pasa por un poderoso renacimiento: el grunge. Kurt Cobain hizo por las camisas de franela lo que Marlon Brando por los jeans en los 50’s: convertirlas en un símbolo de anarquía juvenil que alcanzó un nivel couture en la infame pasarela del entonces joven Marc Jacobs para Perry Ellis.

Kurt Cobain of Nirvana during the taping of MTV Unplugged at Sony Studios in New York City,

Aun recuerdo el sentimiento de rebeldía que recorrió mi mente la primera vez que anude una camisa de tartán a mi cintura, aunque debo reconocer que estuve más influenciado por Alicia Silverstone en el video de Cryin de Aerosmith que por el grunge de Kurt Cobain. Fue mi primer decisión de moda “adulta”. Tras la etapa de rebeldía de Silverstone en la trilogía de videos musicales de Aerosmith (Cryin, Amazing y Crazy), vino su emblemático papel como Cher Horowitz en Clueless, y con ella una epifanía en mi vida como incipiente “persona de moda”.

Clueless trajo esperanza a quienes admirábamos obsesivamente lo que sucedía en el mundo de la moda, pero también disfrutábamos con la literatura de Hermann Hesse. El universo estudiantil representado por Cher puso más alta la nota a la estética de instituto que anteriormente había proyectado Beverly Hills 90210 en mi. Clueless introdujo la industria de la moda a las mentes jóvenes y fue determinante para definir lo que sería la comunicación de moda en los años venideros al empoderar a un grupo de consumo que representa millones de dólares en ventas para las firmas de lujo. El término porno chic podía ser mencionado en platicas de sobremesa y la cultura rave aparecía como reflejo de una necesidad absoluta de libertad tanto estética como espiritual, plantando cara a una sociedad que preponderaba el “menos es más” como estilo de vida. 

Aunque algunos cronistas señalan a Armani como la personalidad que definió el buen vestir en los noventa, yo creo que fueron las mentes creativas de McQueen y Galliano, junto al derroche excesivo de sensualidad de Tom Ford y lo digerible y utilitario de Calvin Klein que realmente provocaron un cambio en la estética de la época. Ahora que han pasado veinte años desde que cerró la década, creo que el ímpetu con el que los jóvenes que no vivieron estos ambivalentes años celebran el espíritu de los noventa tiene que ver con lo excesivo e irreverente de tendencias y acontecimientos sociales.  Sinceramente no recuerdo a nadie que haya abrazado el minimalismo con tanto entusiasmo como nos hacen creer en las antologías de la época.

Let`s Talk About Sex

 

Let´s talk about sex de Salt-N-Pepa trajo en la década de los noventa un tema esencial para la naturaleza humana a los charts musicales creando una gran polémica con ello ya que en su letra evidenciaba una verdad universal: Everybody has sex. Hoy más que nunca la libertad sexual y las decisiones que conlleva han estado en el imaginario colectivo del planeta y en la agenda política de diferentes países. El tema del aborto ha copado las páginas de los periódicos y las redes sociales; mostrando reacciones a favor y en contra que demuestran lo poco que hemos avanzado de décadas anteriores. La bandera de la libertad sexual se ha convertido en el caballo de Troya de un debate que nos remite a episodios bíblicos y nos muestra la fragilidad de lo socialmente bien visto o hasta donde podemos llegar en temas sexuales, porque como dijo Aldous Huxley hace algunas décadas y más relevante hoy que entonces: “A medida que disminuye la libertad económica y política, la libertad sexual tienda a crecer como compensación”.

 

 

Charlotte York «Sex and the City»

¿Qué significa ser libre en material sexual? Esa es una pregunta cuya respuesta depende de a quién se la formules, mientras una princesa de Park Avenue como Charlotte York, en la ficción  de SATC, cuyo estado sexual ideal es el matrimonio, tiene una visión sobre la libertad sexual, o promiscuidad, de Samantha que queda latente cuando le espeta: “¿Está tu vagina en la guía de Nueva York?”. Porque debería, es el hot spot en la ciudad; siempre está abierto!. Mientras la educación y formación de la preppy Charlotte está ligada al puritanismo de la era Reagan, Samantha es una hija de Studio 54, lo que nos reafirma que el zeitgeist es fundamental en nuestro umbral de placer y percepción del sexo.

Sharon Stone «Basic Instinct»

 

Mientras la religión, educación y la familia tradicional apuestan por un modelo sexual casto y con un fin reproductivo. La literatura, historia, cinematografía y la industria de la moda nos muestran un universo lúdico, sexual y altamente hedonista. Mientras los griegos tenían como base de su sociedad las relaciones homosexuales, Alejandro Dumas hijo nos cuenta en su clásico de la literatura “La Dama de las Camelias” que tener una amante era símbolo de status en la Francia del siglo XIX, ni falta hace mencionar al Marqués de Sade y sus escatológicas y un tanto patológicas visiones de la sexualidad, y por supuesto, el aporte del cine.  La cinematografía a lo largo de los años ha hecho una apología de personajes sexualmente liberados, redimiendo el escarnio social que vivieron en su época y convirtiéndolos en ejemplos contemporáneos de aceptación y libertad sexual.

El David de Miguel Ángel

 

Desde tiempos ancestrales la sexualidad nos obsesiona y ha sido el catalizador de grandes momentos para la humanidad. Artistas de la talla de Miguel Ángel, Rodin, Takashi Murakami o Cajsa Von Zeipel se han nutrido de esta obsesión humana para crear obras de arte alucinantes o qué decir del gran trabajo en el terreno de la investigación y desmitificación sexual de parte de William H. Masters y Virginia E. Johnson quienes desde 1957 hasta 1990 aportaron valiosa información para entender la naturaleza de la sexualidad humana así como el tratamiento  de enfermedades de Índole sexual, el polémico trabajo de estos investigadores esta perfectamente captado en las cuatro temporadas de la serie Masters of Sex, pero para muchos los grandes libertadores de los tabúes sexuales son las estrellas de la música pop quienes a través de sus canciones y actuaciones en directo los han hecho sentirse como vírgenes, soñar todo el día con sexo o tocarnos nosotros solos… (siempre con ayuda de un poco de porno )

Francois Sagat

 

La industria pornográfica ha sido públicamente satanizada y convertida en una religión en privado, el entretenimiento para adultos factura alrededor de 100 mil millones de dólares al año globalmente, convirtiendo a productores, actores y directores en millonarios. El lucrativo negocio de recrear y “darle forma” a las fantasías sexuales de millones de personas, desde el erotismo soft hasta el hard porn, ha mantenido un estigma social desde sus inicios, convirtiéndose en un tema recurrente para los diseñadores de moda, seres ávidos de escandalizar y mostrarse como libres pensadores, algunas veces por convicción y otras meramente por marketing.

 

Saint Laurent M7 Parfum Ad

 

Tom Ford en la década de los noventa fue la mente maestra, junto a Carine Roitfeld – quien repetiría para Phillip Plein SS19 la infame tanga de diseñador- y Terry Richardson del denominado porno chic para Gucci. Esta tendencia mostraba un universo sexualmente lujoso que nos permitía fantasear con todo tipo de juegos sexuales ataviados en los costosos diseños de Ford para la marca italiana. Tras la partida de Ford y la llegada de Frida Giannini la marca trato de borrar toda huella de su pasado licencioso y decidió expiar su culpa con colecciones sutiles llenas de femineidad y un refresh constante de sus archivos.

Imágenes del libro SEX de Madonna

 

La carga sexual ha sido constante en las creaciones de incontables diseñadores y firmas de moda, que han sabido crear un universo estético a partir de la concepción de lo sexy, obviamente cuidando de nunca caer en lo vulgar ya que eso sería un faux pas imperdonable en el universo luxury. Con mejores o peores resultados las casas de moda  se han valido de la provocación para vender sus colecciones y las celebrities han sido “los cuerpos” ideales para masificar sus intenciones estéticas.  Madonna ha sido una gran precursora dentro de la lucha por disfrutar del sexo, dejando los tabúes y las etiquetas de género de lado, la cantante y actriz estadounidense de ascendencia italiana supo utilizar los prejuicios y tabúes de la clase media para elevar su popularidad al inicio de su carrera, las letras de sus canciones, sus conciertos y apariciones públicas enviaban un poderoso mensaje de libertad sexual para las mujeres y la comunidad gay. De la mano de Jean Paul Gaultier creó varios de los momentos más sexuales en la red carpet y su libro “SEX”, fotografiado por Steven Meisel, plasmó en imágenes las fantasías sexuales de la generación X provocando con ello la prohibición por parte de la iglesia católica del contenido del libro por considerarlo amoral y pornográfico.

Farrah Fawcett

 

Muchas estrellas pop han seguido los pasos de Madonna en el terreno de la aceptación plena y pública de su sexualidad, es imposible desasociar la carrera de una cantante o actriz al sexo como herramienta publicitaria. El icónico afiche de Farrah Fawcett en el traje de baño rojo con los pezones marcados fue un hito en la década de los setentas y la primer imagen soft porn permitida en millones de hogares, el vertiginoso vestido rojo utilizado por Bella Hadid y firmado por Alexander Vauthier en la alfombra roja de Cannes es otro ejemplo de cómo utilizar el sexo para crear un momentum o que decir del personaje creado por Kim Kardashian y su legión de acólitas que utilizan sus redes sociales para exhibir de manera consensuada su cuerpo y mantener el interés de sus millones de seguidores.

 

Vogue Italia Enero 2007

 

A pesar de que estamos viviendo una etapa histórica en cuanto a libertad sexual, puedes protagonizar un video sexual y después evolucionar a empresario millonario sin ser señalado, cada día surgen nuevas letras dentro del universo LGBTTQ para evidenciar que en cuanto a gustos sexuales nada está escrito, las noticias sobre suicidios relacionados con el bullying o crímenes de odio padecidos por la comunidad queer siguen siendo comunes, debido a que el proceso de aceptación para algunos se produce de manera lenta, por lo que es fundamental que como sociedad entendamos que como dijo Malcom X:  “Nadie te puede dar libertad. Nadie te puede dar igualdad o justicia ni nada. Si eres un hombre (sic) la tomas.

#fashionflashback Reality Bites

Seguir el beat de la moda algunas veces resulta extremadamente desgastante, apenas estamos asimilando los códigos de la temporada y adaptándolos a nuestra vestimenta cuando los medios empiezan a bombardearnos con las increíbles propuestas de la siguiente temporada que además lucen fabulosas.

Recién inicia el otoño/invierno y las celebridades ya se están paseando por la alfombra roja con looks resort 2015 incluso algunas como Chiara Ferragni ya están usando looks que unas horas antes hacían su debut en la pasarela de Moschino SS 2015. Aunque en moda ser el primero en llevar una tendencia es el santo grial la realidad es que resulta un tanto chocante que nos quieran hacer sentir que las prendas que tanto deseábamos de la temporada en uso ya están demodé a unos cuantos días de que llegaron a las tiendas.

Estamos hechos de polvo de estrellas

En «De Profundis” el dramaturgo británico Oscar Wilde nos enfrentó a uno de los tormentos más angustiosos para el ser humano: la traición del ser amado. La extensa carta escrita por Wilde para Lord Alfred Douglas desde prisión nos narra el gran desasosiego que vivió el esteta escritor al ser condenado por sodomita en la Inglaterra del siglo XIX, por su parte el escritor mexicano Luis Zapata en el clásico de la literatura homoerótica mexicana “El Vampiro de la colonia Roma” publicado en 1979 narra la vida del “chichifo” Adonis García y nombra el capítulo 3 bajo el título “ Cinta tercera: y que te den de repente la cogida de tu vida”, mostrándonos que en cuestión literaria la vida gay tiene dos matices: el sufrimiento o el goce desenfrenado.

 

Marlon Brando en «Un tranvía llamado deseo»

Zapata nos narra un matiz divertido, mundano y coloquial de la comunidad gay en la capital mexicana a finales de los setenta y cimienta el argot y la terminología populachera, que será reivindicada y convertida en cool por la joven generación gay mexicana contemporánea. La literatura y el cine han creado iconos indestructibles y fundamentales para entender las obsesiones estéticas del colectivo LGBTTTIQ. Al principio desde trincheras oscuras y veladas, el esposo suicida de Blanche DuBois en la obra de Tennessee Williams “Un Tranvía llamado Deseo” fue descrito como un hombre “débil” para evitar la censura de exhibirlo como homosexual en la película de 1951 protagonizada por un joven Marlon Brando – su personaje de Stanley Kowalski se convertiría en el referente perfecto del “chacal” moderno: iletrado, salvajemente sexual, extremadamente viril y con una psiquis de dios griego – y la fabulosa Vivien Leigh.

Los niños son el futuro – del consumismo de moda-

Campaña Gucci Kids

Es imposible al momento que posas la mirada sobre las campañas para niños de las firmas de moda no exclamar ahhhhhhh y asegurar que en caso de tener un hijo vestiría exactamente igual que los niños que protagonizan la campaña de Gucci, pues si tu intención es que tu hijo se convierta en una sensación de Instagram debido a su estilo básicamente tendrás primero que convertirte en una sensación del mundo empresarial y amasar una fortuna ya que de acuerdo a la página de Gucci un total look infantil de la colección fall winter 2017 – específicamente el look 6- que incluye un abrigo rosa de lana, una vestido de popelina, unos leggins estampados y unos loafers de satín costaría alrededor de $3,110 dólares, una pequeña gran cantidad de dinero pero recordemos que los niños son el futuro y que mejor que aprendan a lucir espectacularmente en tendencia, es esencial para la supervivencia de la industria.